Por Agencia ARTEINFORMADO - Viernes, 7 de setiembre de 2012

12-07-2012 | CULTURA | JUSTMAD MIA

La primera edición de la feria Internacional de Arte emergente "Justmad Mia", que se celebrará en Miami durante la primera semana de diciembre de 2012, aspira a convertirse en una plataforma de referencia en el circuito de difusión y comercialización de arte emergente español, europeo y latinoamericano.

Esta nueva feria, que se situará en el distrito de Wynwood, integrará la filosofía de trabajo de su socia madrileña y expondrá al visitante habitual de la semana de las ferias de Miami, una completa selección del arte más joven, y del diseño y la arquitectura más vanguardistas, según Europa Press.
"Justmad Mia" tendrá un programa general de 50 galerías, tres programas específicos para artistas y una serie de eventos paralelos dedicados a la arquitectura, el diseño y la gastronomía, tendrá también "algunas de las mejores propuestas artísticas y culinarias que se producen en la Europa actual".
La línea de trabajo principal se centra en la participación de galerías jóvenes de España, Europa y América que presentan artistas menores de 40 años, en tanto una segunda línea permite que galerías mid-carreer o consolidadas presenten artistas menores de 30 años.
En este sentido, sus responsables esperan ofrecer un sistema de presentación y legitimación de artistas jóvenes con talento y una incipiente carrera profesional. Una oportunidad para que sean testados en el contexto del Mercado.
Un ensayo en el que varios artistas internacionales invitados, mid-carreer y establecidos, prescriben nombres de artistas jóvenes que se presentan por primera vez, de la mano de sus galerías, en una feria de arte de Miami.

Por Agencia NOTIMEX - Miércoles, 18 de abril de 2012

La muestra exhibe las obras de la brasileña Cinthia Marcelle, el peruano alemán David Zin Yi y los mexicanos Teresa Margolles y el colectivo Tercerunquinto. 

Video, escultura e instalación en las que América Latina es tema común, aunque no hacen alusiones específicas a la región, es la apuesta de la exposición “La institución redentora”, inaugurada anoche en la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS), de esta ciudad. La muestra es fruto de las colaboraciones entre la Tate Modern de Londres y la SAPS, quienes presentan el trabajo de cuatro artistas: la brasileña Cinthia Marcelle, el peruano alemán David Zin Yi y los mexicanos Teresa Margolles y el colectivo Tercerunquinto, quienes a su vez, realizaron piezas ex profeso para tal ocasión. De acuerdo con los organizadores, partiendo de la histórica, pero cada día más frágil noción de arte latinoamericano, a estos artistas seleccionados los une la capacidad de posicionarse frente a situaciones inestables sociales, económicas y culturales, que definen sus prácticas artísticas. Al mismo tiempo, dicen, confrontan al museo con ciertas situaciones periféricas y marginales que caracterizan la crisis de la sociedad post-industrial. Según los textos de la muestra, misma que se presenta como preámbulo de Zona Maco 2012, los creadores mueven las fronteras geopolíticas de lo “históricamente correcto”, para acercarse a problemáticas límites de enfrentamiento que desplazan la calle hacia el museo como institución de poder. Bajo la curaduría de la Tate Modern de Londres y la SAPS, en esta muestra se consideró oportuno revisar la condición del arte latino, tanto en temas como en ubicación. Ello se originó en la exposición “No Lone Zone”, que se inauguró en enero pasado y en “La institución redentora” abierta anoche. En esta última exhibición se revisa la situación de la escena estética, en específico de Sudamérica, de sus nuevos centros de producción y las consecuencias de la crisis económica y social. Mientras que “No Lone Zone” se centra en diversos niveles de representación y documentación de las temáticas abordadas por los artistas, la Sala de Arte Público Siqueiros trata de propiciar situaciones artísticas que rebasan el nivel de voyeur y comprometen al público con su participación. Para el Colectivo Tercerunquinto, las revueltas del verano de 2011 en Londres permitieron analizar cómo tras la crisis económica del mundo occidental se esconde una situación de diferencia socio-cultural que podría redefinir el papel de aquellas clases desplazadas del centro del poder en la sociedad clásica occidental. Así, el colectivo, en un juego con la histórica frase de campaña de Bill Clinton, de hace 20 años, “It´s the economy, stupid”, ha tallado sobre el muro de la SAPS “It is not the economy, stupid!”, que produce un fuerte impacto por la fuerza de su mensaje, la técnica, la ubicación y el contexto del mundo actual. Al respecto, Teresa Margolles continúa tras la huella de aquellos asesinatos resultados de la violencia y se hace incisiva en su capacidad de desplazamiento a nivel global. La artista revive el tema de la inseguridad en el norte del país, al exhibir la barda de una casa con decenas de impactos de balas, producto de un enfrentamiento entre criminales. De acuerdo con la artista, dicha obra no busca generar objetos a la usanza de la terminología de la historia del arte, sino desplazar “contenedores” de dichas situaciones violentas. La pieza de Margolles dialoga a su vez con la instalación de Cynthia Marcelle, quien genera un discurso directo ligado a un panorama crítico resultante de la actual crisis económica. Su trabajo se caracteriza por desarrollar situaciones ligadas directamente a la supervivencia; por un lado aquellas que generan violencia, por otro, nostalgia. Por último, David Zink Yi reacciona de forma aparentemente opuesta; su pieza habla de un esfuerzo minucioso por lograr una excelencia técnica que apela a otro nivel de realidad. Presenta una serie de esculturas públicas en forma de “palmeras” de más de un metro y que, a decir de Tayaina Pimentel, directora de la SAPS, representan la presencia de nuevos centros culturales latinoamericanos. El artista peruano pareciera buscar un perfeccionamiento en el método que de la espalda nihilista a cualquier planteamiento activista. Zink Yi busca en las calles tradiciones no olvidadas, pero sí marginadas, y a través de ellas reconstruye las nociones culturales que caracterizaron el sentido moderno de lo nacional, desplazándose así hacia la esfera global. 

Por Agencia El Universo
La noche del pasado miércoles, el Museo Luis A. Noboa Naranjo, sede de la tercera Bienal Internacional de Pintura de Guayaquil Álvaro Noboa, se convirtió en una pasarela por la cual desfilaron ocho mujeres que modelaron las creaciones de igual número de diseñadores, en las cuales se aludía a los elementos de la naturaleza (temática del concurso artístico).

El color rojo se impuso en las vestimentas de Natasha Wiesner y Silvia Zeas, quienes trabajaron con el elemento fuego; mientras, el blanco predominó en los trajes de Roberto Rivadeneira y Catalina Wood, quienes crearon sobre la palabra aire. Wei Ling Chong Qui y María del Mar Proaño elaboraron sus vestidos usando el concepto del agua; y Abel Lara y Luis Tippán hicieron diseños tomando como referencia el término tierra. La noche del pasado miércoles, antes del desfile, Álvaro Noboa, presidente y fundador del museo, inauguró la exhibición, que consta de 225 obras, entre las que se eligieron las ganadoras del primero y segundo premio adquisición, las que alcanzaron los cinco premios revelación y las que obtuvieron siete menciones de honor.

El ganador de esta tercera edición del concurso artístico, René Bohórquez, de 19 años y estudiante de la Universidad de Especialidades Espíritu Santo (UEES), fue felicitado por sus familiares y también por sus compañeros de aula.

Noboa le entregó al joven el diploma que lo acredita como el triunfador de la bienal.

Asimismo, Aitana Brito –hija del artista cubano Saidel Brito, residente en Ecuador– representó a su tío William Hernández al recibir el diploma como merecedor del segundo premio adquisición del certamen artístico ecuatoriano.

La mayoría de ganadores de los premios revelación y menciones de honor asistió para recibir su diploma que los certificaba como tales. El curador de la Bienal, el artista José Landín, recibió un certificado en reconocimiento a sus 33 años de carrera y por su aporte a la organización de la competencia pictórica.

El artista estadounidense Jeffrey Bishop, miembro del jurado del certamen, logró una mención especial y ese diploma lo recibió Joseph Roberts, crítico de arte también de EE.UU. y otro de los jurados, ya que Bishop no acudió a la ceremonia. La muestra estará abierta hasta inicios de mayo, de martes a viernes de 10:00 a 18:00, y los sábados y domingos de 13:00 a 18:00. Ingreso libre.

Por Agencia El Tiempo -  19 Febrero de 2011

'Arte latinoamericano es una ficción del mercado': experto del MoMA

La Habana,  (PL) El principal reto que enfrentan hoy los artistas latinos residentes en Estados Unidos es reflejar en sus obras el proceso de fusión cultural que protagoniza esta comunidad, aseguró aquí el cineasta chicano Luis Valdez.

  De visita recientemente en Cuba, invitado al Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, el director del popular filme La bamba ofreció detalles de cómo en este complejo panorama, en el que conviven mexicanos, cubanos, dominicanos y puertorriqueños, se entrecruzan factores raciales y lingüísticos.

Acotó que las raíces musicales de esta unidad, en la que también resulta visible la herencia afroamericana y anglosajona, datan de la pasada década del 40, cuando la zamba brasileña y los ritmos cubanos como el danzón y el mambo influyeron en las sonoridades de la región.

Valdez indicó que el término latino no satisface emocionalmente lo que son, pero tampoco pueden llamarse americanos.

Para ello, precisó, resulta necesario reconocer que América no es un país que se contiene dentro de las fronteras de Estados Unidos, sino un continente en evolución, a partir de todas las razas del mundo que convergen en él.

Sobre el tema, el también cineasta chicano Gregory Nava se refirió a la frontera entre México y Estados Unidos, una división que va más allá de una simple línea, pues ambas partes se complementan y responden al mismo sistema económico.

Aseveró que esta situación entre ambas naciones vecinas constituye el único ejemplo en todo el planeta en que el primer y tercer mundo tienen una frontera, a la que miles de ilegales tratan de llegar a riesgo de sus propias vidas.

Durante su intervención en el seminario Puentes y más puentes, que sesionó como parte del certamen habanero de cine, el realizador de filmes exitosos como Selena y Norte habló sobre la necesidad que siente de regresar a los orígenes.

En sus películas, dijo, siempre hay dos protagonistas que hablan en inglés, español y en el idioma de sus ancestros yaquis, pueblo indígena del estado mexicano de Sonora.

Según cifras oficiales, en el próximo lustro los latinos deberán superar a los afroamericanos como la primera minoría radicada en Estados Unidos, al tiempo que constituirán un cuarto de la población nacional en los venideros 50 años.

WKTK 2011 / Entrevista al arte latinoamericano inmediato:Gabriel Peluffo Linari

¿Cómo definiría hoy a América Latina?

El cumplimiento de los 200 años de un proceso emancipatorio complejo llevado a cabo en el siglo XIX, no habilita a hablar de América Latina (ex-colonias españolas, portuguesas y francesas) como una unidad histórico-territorial. La diversidad étnica y cultural, las diferentes características y formas de dominación de las oligarquías locales, así como los distintos grados de dependencia regional de las grandes potencias extra-continentales, han determinado un escenario lo suficientemente heterogéneo como para impedir aquella unidad. Esto no implica olvidar la existencia de un pensamiento americanista que se inicia en el siglo diecinueve y se extiende en el siguiente, así como tampoco dejar de reconocer la importancia del actual proceso de construcción de una agenda política y económica de unidad latinoamericana ante la crisis del capitalismo global.

¿Cómo pensar nuestras prácticas artísticas en un contexto globalizado que intenta aplanar las identidades?

No es una dicotomía tan simple la de globalización versus identidades locales. El proceso de mundialización viene acentuándose desde el siglo XV, y en los finales del siglo XX adquiere su máxima nitidez ante la evidencia invasiva del capital financiero internacional y de los mercados asociados a él. En ningún momento de este proceso las identidades de grupos y colectividades han sido estancas, sino que se han ido modelando y transformando con sus mutuas fricciones, vale decir, con sus transacciones de carácter cultural impuestas no solamente por la violencia colonialista, sino también por los movimientos migratorios y por el efecto dinamizador de los mercados. Hoy día, la proliferación de las redes sociales por internet marcha paralela a la difusión de las industrias culturales y a la entronización de los medios masivos en la vida cotidiana. Este entramado de estructuras y de contenidos comunicacionales que llamamos globalización cultural, no tiene como resultado inexorable la homogeneización de las identidades, sino que, por el contrario, ha mostrado como contracara la exacerbación de ciertos nacionalismos, de reivindicaciones identitarias grupales, y está posibilitando en este momento grandes movimientos mundiales anti-sistema. En esta permanente recomposición de fuerzas entre lo local y lo global está lo más rico, polémico y fermental de las prácticas artísticas y de la cultura contemporáneas.

Unidos en la gloria y en la muerte - Gonzalo Díaz

¿Cuáles son las obras, artistas o colectivos de artistas que más se destacaron en la primera década del siglo XXI  a) en su país  b) en la región latinoamericana?
No sé si la pregunta va dirigida a los que “se destacaron” en las vidrieras del mercado internacional, o va dirigida a los que el entrevistado destacaría de acuerdo a criterios personales. Dado que esta última alternativa se opone a la teoría institucionalista del valor (que sería la que otorga al mercado y a los agentes del campo artístico el único poder de legitimación), la elijo como manera de aceptar el desafío de una reflexión que por lo general se elude. En este sentido, más que destacar obras o personas, quisiera delimitar el territorio ético y poético en el que se encuentran las obras que me interesan. El arte contemporáneo opera en una zona incierta en la que se cruzan diversas disciplinas del pensamiento y tiene la posibilidad de usar diferentes recursos de una retórica experimental que atraviesa la alegoría, la metáfora, la conceptualización icónica y situacional, para  fundar un espacio deliberadamente ambiguo: el espacio de la duda y del cuestionamiento a las formas de identidad y subjetivación impuestas por el sistema. En esto reside el potencial político del arte contemporáneo que pocos artistas saben o pueden aprovechar. Es precisamente el territorio en el que operan las prácticas artísticas que me interesan, las que revelan una conjunción de reflexión crítica y poética existencial. Ya que en geometría dos puntos (distantes entre sí) bastan para definir una recta, daría solamente dos nombres: Teresa Margolles y Gonzalo Díaz.

127 cuerpos - Teresa Margolles

¿Cómo se da en nuestra expresión el conflicto concepto vs. imagen?  
No se da.
¿Son bien aprovechados los recursos de nuevas tecnologías en la expresión?
Ese no es en sí mismo un problema. Las nuevas tecnologías pueden ser utilizadas y también pueden no serlo, todo depende de su eficiencia (o no) como servicio comunicacional en cada caso.
¿Nuestro desafío creativo está en la politicidad del arte o en la artisticidad de la política?
Creo que el desafío es siempre político (en el sentido más abarcador del término). Y los latinoamericanos tenemos vocación histórica por las estrategias de liberación, entonces el galimatías de la pregunta resulta, hasta cierto punto, un bizantinismo. El arte es un gesto que hace estallar los significados, y como tal, es un gesto político.


Ya basta hijos de puta - Teresa Margolles
¿Cómo se plantean las relaciones con las instituciones culturales?
Paradójicamente, en América Latina necesitamos institucionalidad para liberar al arte de las instituciones. Necesitamos institucionalidad pedagógica de orientación crítica para formar artistas-pensadores, artistas capaces de replantear la vida y cuestionar desde el flanco simbólico la naturaleza destructora del sistema-mundo tardocapitalista.

Buscamos por doquier lo incondicionado y encontramos siempre cosas - Gonzalo Díaz
¿Las relaciones culturales de nuestra región con otros países (España, Estados Unidos de Norteamérica, Alemania) se están dando dentro de la colaboración entre los pueblos, o son penetración cultural, continuidad del colonialismo?
Hay un tipo de relación cultural no institucional, y otro tipo de relación cultural que sigue los canales de las instituciones específicamente montadas para ello. El primer tipo se da, principalmente, a través de las migraciones. Hay muchos (artistas) latinoamericanos viviendo en esos países, y muchos de ellos se hicieron artistas en el contexto del exilio. En este caso se crean contaminaciones culturales “entre los pueblos”, es decir, entre las conductas y modos de ver el mundo en lo que constituyen auténticas hibridaciones desde una mirada antropológica. Incluyo en este tipo de relación a los artistas que viajan para obtener posiciones avanzadas en el escenario del arte internacional sin abandonar sus posturas ideológicas de origen, ya que pueden ser capaces de actuar como inserciones críticas en el sistema.
El segundo tipo de relaciones culturales, las institucionalizadas a través de redes internacionales de legitimación cultural, de revistas especializadas editadas en los grandes centros, de circuitos comerciales que operan desde el “primer mundo” o de eventos de carácter diplomático que tienen una actitud paternalista hacia la periferia, puede contener una dimensión neocolonialista oculta tras las bambalinas de la “diversidad cultural”.
¿Cómo surge su relación con la expresión artística, cuáles son sus objetivos y cuales son sus trabajos más destacados?
No soy artista (en sentido ortodoxo), y solamente me referiré aquí muy escuetamente a los “objetivos” de mi trabajo intelectual que, obviamente, no son ajenos a una gratificación estrictamente personal. Cuando hago investigación historiográfica, cuando ensayo en la teoría del arte, cuando busco formulaciones museográficas para estas investigaciones, no estoy desarrollando otro objetivo que el de intentar construir conocimiento hacia los demás, construyéndome individualmente, al mismo tiempo, como sujeto social. Esta construcción se hace cada vez más riesgosa e inabarcable en el mundo contemporáneo. Cada vez hay más libros para leer y menos tiempo para asimilarlos; hay transformaciones más aceleradas en las tecnologías de la información y procesamiento de datos, y menos posibilidades de actualización. Este efecto “retard” sobre nuestras posibilidades de construir conocimiento (o, mejor dicho, de creer que lo construimos) nos obliga a delimitar el campo de acción, a readecuar las estrategias, y a restringir las esperanzas.
¿Cuales son sus próximos proyectos?
Conseguir un predio rural donde pescar en un arroyo, trabajar una colmena, y plantar lechugas.

Montevideo, 6 de diciembre de 2011

Gabriel Peluffo Linari (1946, Uruguay) es arquitecto graduado en la Universidad de la República (UDELAR) e investigador en historia del arte nacional y latinoamericano.Desde 1992 es director del Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes.

contacto: gpeluffo@chasque.net

 
En sólo cinco años, Feria PINTA se ha convertido en la vitrina de arte latinoamericano más influyente del mundo. Y desde hace tres años, cada primera semana de noviembre el arte de Latinoamérica desembarca en Nueva York de la mano de la Feria de Arte Latino Americano Moderno y Contemporáneo, Pinta. La feria, que es de organizadores argentinos, está tratando de abrir paso al arte de la región, en una de las capitales del arte mundial.
La importancia de internacionalizar el arte y crear nuevas fronteras es fundamental. Lamentablemente en Chile aún no se crea la suficiente conciencia de ello y, de las 50 galerías que exhibieron, sólo Artespacio vino en representación de Chile.
María Edwards, Elisa García de la Huerta, Pablo Jansana, Benjamín Ossa y Andrés Vio, expusieron sus obras durante un fin de semana, en el piso 11 de un edificio en la mitad de Nueva York, en la 34th street. Otros chilenos que estuvieron presentes, y que ya se han convertido en “los infaltables” de grandes ferias, como Basel y Armony, fueron Matta, Juan Dawney e Iván Navarro.
Curatoría
La elección de varios talentos emergentes por parte del curador Carlos Navarrete, fue algo que llamó bastante la atención. Además que 3 de los 5 artistas que exhibieron son residentes en Nueva York (Edwards, García y Jansana). Conversamos con el curador y con dos de las artistas que después de una larga estadía en Nueva York, hoy están consiguiendo este tipo de logros.
Responde Carlos Navarrete.
—Además de la inversión económica, la curatoría de los artistas es bien osada: dieron espacio a artistas emergentes como Elisa García de la Huerta, Benjamín Ossa y María Edwards, en vez de privilegiar rostros más consagrados en el mercado. ¿A qué se debe esta decisión de apoyar artistas emergentes?
—Esencialmente Galería Artespacio tiene dos frentes de trabajo, uno dedicado al Arte Moderno con un fuerte énfasis en la escultura y otro dedicado al Arte Contemporáneo, tratando de dar cabida a la creación de más avanzada. Los artistas que participan en PINTA obedecen a este segundo frente de trabajo, ya que la feria está consagrada a este tipo de visualidad y por otra parte, el proceso de inserción de estos creadores en el competitivo medio internacional tiene más frutos cuando se inicia un trabajo con ellos en sus primeros años de vida profesional, más que con otros creadores que tienen un camino más avanzado. Al hablar de frutos, se piensa en el rendimiento que su obra puede llegar a tener a nivel de mercado y exhibiciones institucionales, como también en el proceso de crecimiento profesional que para ellos significa participar en este tipo de eventos.
—¿Cómo fue el proceso de selección de artistas?
—El proceso de selección de artistas se realizó sobre las regulares discusiones que las galeristas tienen con mi persona como curador y académico universitario, además de otros profesionales ligados al arte local. En donde se van testeando nombres, ubicando tendencias y analizando el panorama creativo local, lo que da como resultado no sólo este tipo de iniciativas sino que también otras de tipo editorial.
—¿Cuál fue el proceso para poder quedar seleccionado por la feria para participar?
—Básicamente, presentar los antecedentes de la galería al board de Pinta en donde se entrega la propuesta curatorial, la historia de la galería y otros documentos.
—¿Hay alguna temática que estén buscando explorar en la curatoría?
—Más que buscar o proponer una temática, la curatoría se ha centrado en lo siguiente: ¿cómo reflejar las pequeñas historias modernas en un orden global? Asunto que de manera intuitiva o racional cada uno de los artistas participantes intenta responder mediante su obra.
Al habla María Edwards.
—¿Cuándo llegaste a Nueva York?
—Hace tres años. Lo bueno de esta ciudad es que no existe juicio ni etiqueta y un artista puede serlo tanto en su estudio, como en la calle o en cualquier oficio paralelo que deba realizar para mantenerse. Pintar con brocha gorda departamentos del Upper East Side no quita la posibilidad de que al día siguiente me encuentre pintando mi propio mural en un edificio emblemático de New York. Finalmente cada una de las horas invertidas tienen un valor en sí y lo que podría haberse visto como sacrificio se transforma en un paso clave.
—¿Cuáles han sido los grandes hitos que han marcado tu estadía en Nueva York?
—El mural que hice en The Starrett-lehigh Building, donde estuve trabajando por casi tres meses. Mientras trabajaba en el mural, se me acercó el director de una importante firma de arquitectos de Nueva York y, luego de ver mi trabajo, me propuso hacer el mural para un proyecto arquitectónico que se realizará en Israel el próximo 2012. Ganarme la residencia en Lower East Side Print Shop, ha sido clave también para mi carrera en Nueva York, por contar con el soporte, financiamiento y espacio para desarrollar mi trabajo, además de vincularme con grandes artistas, curadores y galerías, generando nuevos proyectos, entre ellos una colectiva junto a una artista cubana y una afgana que presentaremos acá, Cuba y Miami el próximo año.
“Una de las muestras que he presenciado y que me marcó especialmente, fue la retrospectiva de Marina Abramovich en el MoMA. Más que nada por la idea de los límites y resistencia que plantea con su obra, elementos con los que uno convive a diario y que en esta ciudad sobre todo se vuelven tan patentes en la búsqueda permanente en la que todos están”.
—¿Qué es lo mejor de estar participando en Pinta?
—Estar en Pinta significa un hito importante. La oportunidad de exponer el resultado de una etapa de trabajo para dar paso a una siguiente y continuar la búsqueda abriendo nuevas posibilidades. —¿Qué temática estás buscando explorar en tu trabajo actual?
—Mi obra surge de las conexiones que establezco entre lo concreto y etéreo para revelar el objeto o espacio ausente en la imagen. Con esta última serie de teatros vacíos, busco revelar la memoria de un espacio anónimo y la energía contenida en él, creando un diálogo entre la descripción y la revelación.
—¿Cómo afecta esta ciudad a tu trabajo?
—Partiendo por la cantidad de estímulo, información y posibilidades, que hacen de alguna manera y más que nunca buscar en mi trabajo una relación más intima y depurada de tanto ruido. Volver a lo elemental y más esencial de la imagen, tanto a nivel conceptual como material.
—¿Cuál es tu rutina como artista?
—La rutina se va modificando según los proyectos que van apareciendo. Combino el tiempo que puedo pasar en mi estudio con mi trabajo en un taller de restauración de arte, en donde por algunas horas logro abstraerme de la ciudad y la rapidez del tiempo y sumirme en la minuciosidad del oficio, acercándome a la historia que existe detrás de cada pieza que llega para ser reparada, aprendiendo desde química, pigmentos y diversos materiales hasta el valor que tiene el paso del tiempo en los objetos. Elementos que de alguna manera han comenzado a aparecer e influenciar mi obra también.
—¿Cuál es tu espacio de trabajo?
—Tengo mi estudio en Manhattan en un antiguo edificio en la 36th con la 8 Av. Un espacio que comparto con un grupo de artistas de diferentes partes del mundo. Pero mi espacio de trabajo se modifica también según la obra, cuando son murales el espacio público se transforma en mi estudio.
—¿Quiénes son tu red de apoyo más cercana en la ciudad?
—Julia Nitsberg, artista y restauradora rusa. Nos conocimos en School of Visual Arts en la residencia de libro de artista que hice en mi primer año en New York, luego trabajé como su asistente y me enseñó todo sobre restauración de Arte y hoy día trabajamos juntas en su estudio en Manhattan. Sisha Ortúzar, chef y creador de Wich Craft, River Park y Craft. El fue quien me encargó mi primer mural en New York y hoy además se ha transformado en un gran amigo.
Responde Elisa García de la Huerta.
—¿Cuándo llegaste a New York?
—La primera vez llegué en mayo de 2008, viví en Connecticut, a 30 min de Manhattan, después me volví a Chile unos meses y volví a Brooklyn en Agosto del 2009. Fui Au Pair, cuidé niños en dos familias por casi un año para poder mejorar mi inglés, estudiar, ver exposiciones, museos e investigar universidades. Significó mucha soledad e inestabilidad emocional, era institutriz: niñera, chofer, profesora y mamá de niños de familias ricas norteamericanas con costumbres y valores muy distintos. Requirió mucha fortaleza y esfuerzo día a día. El proceso de postulación a las universidades y beca fue también muy largo y estresante. Tenía todas las fichas puestas en volver a estudiar, la incertidumbre y presión personal tiene un costo alto, además andar de paso por Chile no es fácil cuando uno ya ha vivido afuera desde hace tiempo. El año 2007 me había ido a vivir a Londres.
—¿Cuáles han sido los grandes hitos que han marcado tu estadía en New York?
—Cosas pequeñas. Me acuerdo la sensación de estar instalándome en mi primera pieza en un departamento en Fort Greene. Fue una satisfacción personal muy grande, sentir que estaba en New York después de tanto esfuerzo y saber que venía un gran aprendizaje humano y académico por delante. También recuerdo lo rico que fue después de dos años de vivir aquí, que mis papás me vinieran a ver por primera vez para mi graduación, presentarle a mis amigos, mostrarles mi departamento, mi huerto, el barrio polaco donde vivo (Greenpoint) y mi studio en School of Visual Arts, en donde había estado trabajando intensamente.
—¿Qué significa estar participando en Pinta?
—Lo mejor de estar en Pinta es poder mostrar mi trabajo a un público amplio sea especializado o no dentro de un contexto de arte latinoamericano y a su vez representar a mi país. Participar en la feria significa poder generar diálogo o ser localizada por curadores, coleccionistas o audiencia inesperada con la cual pueden salir oportunidades en un futuro a corto o largo plazo, además de posible comercialización de la obra.
—¿Qué temática estás buscando explorar en tu trabajo actual?
—Me interesa cuestionar categorizaciones o jerarquías con respecto a modos establecidos de operar en el mundo, esto lo exploro mediante cruces y ambigüedades entre distintas disciplinas como instalación, video, performance, pintura, escultura y fotografía donde indago estados específicos como vulnerabilidad, comodidad, placer y violencia en relación a temas como identidad, cultura, represión y sexualidad.
—¿Cómo afecta esta ciudad en tu trabajo?
—NY afecta mi proceso creativo cotidianamente, por una parte esta cuidad es muy demandante, todos debemos trabajar muy duro para vivir por lo que queda poco tiempo para el estudio. Pero a su vez todo lo que te rodea te inspira, la calle y la diversidad de gente es un estímulo constante, además de ver arte, teatro, cine y música todo el tiempo uno se relaciona con gente joven muy interesante y talentosa, todo esto estimula mi práctica de artista y la amplifica a su vez a diferentes prácticas y colaboraciones de todo tipo, las cuales uno va siempre incorporando consciente o inconscientemente en su trabajo.
—¿Cuál es tu espacio de trabajo?
—Tengo un estudio en Bushwick, un barrio industrial donde hay muchos artistas que tienen sus talleres y se han ido estableciendo algunos espacios alternativos y galerías. Es un edificio lleno de estudios, el mío lo comparto con mi colectivo The Push Pops. Además la cuidad es otra plataforma de trabajo donde realizo performance y fotografías.
—¿Cuál es tu rutina como artista?
—Voy a mi estudio lo más posible, generalmente 4 horas. Además soy asistente de la artista Anita Glesta, quien hace video instalación y arte en espacios públicos. También hago un internship en una galería (Stephan Stoyanov) en Lower East Side.
—¿Quiénes son tu red de apoyo en la ciudad?
—Mis mejores amigas y colectivo que forme en SVA durante mi magíster. Mis amigos chilenos muy cercanos y algunos artistas y coleccionistas para los cuales trabajo. Mis mejores amigos son como mi familia.

Destaca la subasta de la obra de Rufino Tamayo 'Rodajas de Sandías', que superó las expectativas al venderse en 2.2 millones de dólares 

La venta de arte latinoamericano de esta noche en la casa Sotheby’s recaudó cerca de 17 millones de dólares.

Se destacó la subasta de la obra de Rufino Tamayo 'Rodajas de Sandías', que superó las expectativas al venderse en 2.2 millones de dólares.

'Estamos muy satisfechos con los resultados de la sesión fuerte y pareja de esta noche', señaló Cármen Melián, directora de Arte Latinoamericano de Sotheby's tras el término de la primera de dos sesiones.

Melián destacó que fue una gran noche para Rufino Tamayo, ya que además de la colorida pintura 'Rodajas de sandías' de 1950, fue exitosa la venta de trabajos de las décadas de 1920 y 1930.

'La continua demanda por el arte cinético ayudó la venta de todas las obras de Jesús Rafael Soto y estamos encantados de ver dos obras de Carlos Cruz-Diez que superaron su propio récord de venta en subasta', añadió Melián.

La venta de Sotheby’s seguirá mañana en su segunda sesión de la venta de otoño de arte latinoamericano.  

RODAJAS DE SANDÍA La obra del pintor mexicano Rufino Tamayo se vendió en 2.2 millones de dólares

Eungie Joo, comisaria de la II New Museum Trienal, que abrirá sus puertas el próximo mes de febrero bajo el título "The Ungovernables", ha anunciado los nombres de los alrededor de cincuenta artistas participantes en este evento. Entre ese medio centenar de artistas, nacidos entre mediados de 1970 y mediados de 1980, muchos de los cuales nunca antes han expuesto en los EE.UU. se encuentran nueve artistas latinoamericanos: tres de Argentina, dos de Brasil, dos de Colombia y uno de México y otro de Perú. Se trata de nueve artistas que, a pesar de su juventud, la mayoría de ellos ya cuenta en su haber con interesantes trayectorias jalonadas con la participación en algunas de las citas más importantes del calendario artístico internacional. Además, muchos de ellos figuran entre los artistas representados por algunas de las galerías más destacadas e influyentes del panorama artistico latinoamericano. Por último, y antes de pasar a presentar a estos nueve artistas, decir que "The Ungovernables" pretende ofrecer tanto la resistencia anárquica y organizada, como un humor negro sobre las limitaciones y potencialidades de esta generación de artistas.-ver lista completa de artistas-
Finalmente tenemos, entre los nueve artistas latinoamericanos seleccionados por Eungie Joo, al mexicano José Antonio Vega Macotela (México D.F., 1980) y a la peruana Rita Ponce de León (Lima, Peru, 1982 - reside en México D.F.). El primero ha expuesto entre otros sitios en el Laboratorio Arte Alameda, Sala de Arte Público Siqueiros y el Museo de Arte Carrillo Gil - MACG en México. Por su parte, Ponce de León, cuya obra se caracteriza por traducir visualmente, a través del dibujo, su relación con personas cercanas a su entorno, tuvo su primera exposición individual titulada "Diente de Leche" en la nave principal del Casino Metropolitano en la Ciudad de México, en marzo de 2010. También ese mismo año presentó la individual "Acepto que nada es mío" en la Galería 80 metros cuadrados de Lima.